miércoles, 25 de mayo de 2016

TALLERES ARTISTICA 2016

FECHA:                                                PERÍODO:        GRADO: SEXTO              GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar conceptos de historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural
TEMAS A DESARROLAR: Los orígenes de la historia, mundo neolítico y la vida cotidiana.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

El pueblo colombiano da importancia especial al almuerzo, que suele tomarse entre las 12:00 y las 13:00 (1:00 p.m.). La porción consiste, en general, de sopa, seguida de un plato llamado "seco" (sin caldo) o "bandeja" y un refresco o jugo. Entre las bebidas alcohólicas son populares el aguardiente, la cerveza y el ron. El café es muy apreciado, tanto que es considerado la bebida nacional, especialmente en la forma del "tinto" (tacita de café cargado). Entre las bebidas calientes también es popular el chocolate, tradicional en Bogotá (chocolate santafereño), servido con queso y pan (habitualmente el queso se parte en pedazos y se introduce en el chocolate). En Colombia se consumen muchas variedades de frutas nativas, totalmente desconocidas en Europa y en América del Norte, como la guayaba, el zapote, el lulo, la curuba, el mamoncillo, el corozo, la uchuva, la feijoa, la granadilla, el mamey, el borojó, el mango, el chontaduro, el tamarindo, el tomate de árbol, la guanábana, la badea, y la pitahaya. Algunas sólo se consumen en algunas regiones, y por lo tanto su consumo no es generalizado.
Para los paisas, la bandeja paisa, los fríjoles y las arepas de maíz, son la comida cotidiana. Las comunidades indígenas de la Amazonia y la cuenca del Orinoco, dan gran importancia al procesamiento de la yuca y al consumo de sus derivados como la fariña y el casabe. Hay bebidas campesinas como la chicha y el guarapo. En Cundinamarca y Boyacá son típicos el mute santafereño, la mazamorra chiquita y los tamales. Bogotá posee una oferta gastronómica en la que destacan platos típicos como el ajiaco, el chocolate con queso y mogolla, la changua, la sobrebarriga, las fresas con crema, el arroz con leche, las brevas con arequipe y las almojábanas. En la Costa Caribe sobresalen comida de mar, los pescados, el arroz con coco, las arepas, las caribañolas, el patacón, el sancocho trifásico (con carne de res, pollo y cerdo), la fritanga, el friche y los dulces. En la Región Pacífica el tapao (pescado de mar con plátano verde), el borojó y el chontaduro, junto al plátano y la comida de mar, son su aporte gastronómico significativo. En Tolima y Huila, los platos típicos son la lechona tolimense y el viudo de pescado. En Nariño es muy apreciado el cuy y en los Llanos Orientales la ternera a la llanera.
FECHA:                                         PERÍODO:                GRADO: SEXTO       GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar algunos conceptos de la historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural
TEMAS A DESARROLAR: Origen de la historia, revolución neolítica y la vida cotidiana
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos y la influencia del arte en las costumbres de la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

LOS ORÍGENES DE LA HISTORIA

Hacia un nuevo mundo: La etapa de transición entre el Paleolítico y el Neolítico recibe el nombre de Epipaleolítico. Iniciado en el 10.000 a.C., este período vivió alteraciones climáticas: las placas de hielo de la última glaciación se retiraron hacia el norte y un clima templado se implantó en gran parte de Europa, provocando cambios en la fauna y la vegetación. El Epipaleolítico es un período crucial, ya que pasó de la economía depredadora a la agrícola y ganadera.

La revolución neolítica: El Neolítico empezó entre el 10.000 y el 8000 a.C. y se caracterizó por un importante cambio en las actividades económicas, ya que la agricultura y la ganadería sustituyeron progresivamente a la caza y la recolección. Los hombres abandonaron el nomadismo y se establecieron en lugares donde podían practicar la agricultura, lo que dio lugar a la vida sedentaria, generalmente en poblados de cabañas. En esta época también se desarrolló una nueva industria lítica que tuvo en las hoces y las hachas pulimentadas sus útiles más característicos. Otra innovación neolítica fue la aparición de la cerámica y la cestería, cuyo objetivo era almacenar las reservas de alimentos.

La vida cotidiana: Con la práctica de la agricultura y la ganadería llegó el sedentarismo. Los primeros poblados reunían aproximadamente a un centenar de personas que se agrupaban cerca de ríos y lagos, donde convivían con los animales domesticados. En este período tuvo lugar la división del trabajo por oficios en agricultores, ganaderos y artesanos del cobre, que intercambiaban sus productos. Por otra parte, las creencias religiosas se manifestaron en unos ritos que se reflejaron en la construcción de monumentos megalíticos –dólmenes, menhires y crómlechs– y en las ofrendas en los túmulos y campos de urnas, como formas de enterramiento.

La vida política, religiosa y económica de los ciudadanos giraba en torno al templo y el palacio también físicamente, ya que ocupaban un lugar central alrededor del cual se articulaban las distintas calles. Estos primeros enclaves urbanos reciben el nombre de ciudades-estado y se caracterizaban por disponer de una estructura política y administrativa compleja.
FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: SEPTIMO       GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar algunos conceptos sobre la historia del arte y relacionarlos con el contexto socio-cultural local.
TEMAS: Oficios especializados, diferenciación social e invención de la escritura.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

EL ARTE EN LA HISTORIA

Trabajo especializado: Una de las principales consecuencias de los cambios económicos producidos en el Neolítico fue la especialización del trabajo, es decir, cada hombre empezó a dedicar la mayor parte de su tiempo a una única actividad productiva. Los primeros oficios fueron los de agricultor y ganadero. Junto a ellos se encontraban los artesanos, que se encargaban de la elaboración de los diferentes objetos de cerámica, de cestos o de armas y herramientas de metal, entre otros. Esta especialización fomentó el intercambio de productos que daría lugar al inicio de las actividades comerciales, además de hacer más intensas y complejas las relaciones sociales y políticas.

La diferenciación social: La apropiación de la tierra y los metales dio origen a la propiedad privada, lo que significó el enriquecimiento de algunas familias que se erigieron como dirigentes de una sociedad cada vez más jerarquizada. Esta aristocracia fundó las primeras monarquías, que controlaron a los ciudadanos que no pertenecían a la clase dominante. Por su parte, los campesinos y los artesanos trabajaban para las clases privilegiadas mediante el pago regular de impuestos en especie. El último escalafón social estaba compuesto por los esclavos, principalmente antiguos prisioneros de guerra, aunque también los hombres libres que no cumplían las leyes podían ser condenados a la esclavitud.

La invención de la escritura: La escritura surgió hacia el 3000 a.C. para hacer frente a las nuevas necesidades  administrativas que generaron las propiedades de tierras y de ganado. La escritura se inventó casi simultáneamente en las zonas donde se dieron estos cambios, es decir en Mesopotamia, Egipto, el valle del Indo y China. Al principio predominaban los pictogramas, que representaban personas, animales u objetos, pero más adelante se desarrollaron escrituras más complejas que podían recoger los matices del lenguaje hablado. Además de para usos administrativos, la escritura sirvió para plasmar los primeros poemas épicos, los códigos de leyes o las plegarias que se dirigían a los dioses.

“El Arte es la máxima expresión de la sensibilidad humana con el poder de los dioses”

FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: SEPTIMO       GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO: Identificar conceptos de historia del arte y relacionarlos en el contexto
TEMAS: Jeroglíficos milenarios, Pirámides bajo tierra y templos egipcios.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

EL ARTE EN LA ANTIGÜEDAD

Jeroglíficos milenarios: En el antiguo Egipto se utilizaron tres sistemas principales de escritura: la jeroglífica, la hierática y la demótica. La escritura jeroglífica es de finales del IV milenio a.C. Se trataba de una escritura pictórica, en la que palabra e imagen estaban estrechamente relacionadas. Contenía ideogramas y fonogramas y tenía casi 8.000 signos. Podía ir de derecha a izquierda o viceversa. Lo más importante era la estética y se procuraba no dejar espacios vacíos. Existían dos variantes. En el siglo XVIII a.C. surgió la escritura hierática, cursiva de la jeroglífica, usada en los textos funerarios; y, a finales del VIII a.C., la demótica, que era utilizada en los documentos administrativos y privados. Los egipcios solían escribir sobre paredes y papiros.

Pirámides bajo tierra: Los hipogeos eran construcciones subterráneas o talladas en la roca de los acantilados que estaban destinadas a servir de sepulcro. Durante el Imperio Nuevo, debido al desplazamiento del centro de poder hacia el sur y por el miedo a los frecuentes saqueos de las tumbas, los faraones los eligieron como lugar para ser enterrados. También se extendieron entre la nobleza, pero los hipogeos reales eran de mayor tamaño y tenían una decoración más rica. Ejemplos destacados los encontramos en el Valle de los Reyes, el Valle de las Reinas y el Valle de los Nobles.

Los templos egipcios: Casi todos los grandes templos egipcios están construidos de una manera similar. Se accedía a ellos a través de una avenida de esfinges que conducía hasta la entrada monumental, presidida por dos obeliscos. En el interior se abría un patio porticado y, a continuación, una sala hipóstila. Finalmente se llegaba al santuario, en el que se guardaba la estatua del dios. La luz disminuía a medida que se avanzaba hacia el interior. El pueblo sólo podía acceder al patio; los funcionarios y los nobles hasta la sala hipóstila, y tan sólo el faraón y los sacerdotes podían entrar en el santuario. Una variedad de templo religioso son los speos.

El hallazgo de textos en tablillas de barro y rollos de papiro permitió conocer la literatura y la ciencia del antiguo Egipto. Principalmente se trata de narraciones, poesías, cuentos y libros de conocimientos. Entre las narraciones destacan Las protestas del aldeano, La historia de los dos hermanos y La historia de Sinuhé; entre los libros sapienciales, La instrucción del rey Merikare, y el poema más conocido es el Himno a Atón.
FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: NOVENO       GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar conceptos de historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural
TEMAS: Orígenes de la historia, mundo neolítico y la vida cotidiana: Postmodernidad.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

De la "modernidad" a la "postmodernidad”
Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad industrial se habían completado en los países más avanzados (Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en el horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Había comenzado un nuevo ciclo de la Revolución industrial (Segunda Revolución industrial), y se estaba formando una sociedad de consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos medios de comunicación vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). La Revolución rusa, los fascismos y la Crisis de 1929 supusieron graves desafíos al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias artisticas) y a la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico, económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad postindustrial. Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista. La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello que sea dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración. Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc. El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no contaminadas con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas. En las artes figurativas podemos advertir dos tendencias contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte.

FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: NOVENO       GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar conceptos de Música Tradicional Colombiana y relacionarla en el contexto sociocultural regional.
TEMA: Los orígenes de la historia, la música precolombina.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

MÚSICA TRADICIONAL COLOMBIANA
En el campo de la música apenas existen datos sobre la música precolombiana, y son pocos los instrumentos conservados (sonajas, cascabeles, flautas, ocarinas, fotutos, etc.). El primer músico conocido fue el jesuita J. Dadey (1574-1660), considerado el precursor de la música colombiana. Durante la época del virreinato sobresalieron diferentes músicos con clara influencia española. La música popular combina las influencias indígenas, hispánicas y negras. La música tradicional colombiana se deriva de una mezcla de ritmos indígenas, influencias africanas, europeas (especialmente españolas), de las formas musicales modernas de América y del Caribe. Algunos ritmos populares son la cumbia y el vallenato en el Caribe, el bambuco y el pasillo en la zona Andina, el joropo en los Llanos Orientales y el currulao en el Pacífico. La salsa también ha sido reconocida como uno de los ritmos predominantes del país, con artistas como "El Joe" Arroyo. La cumbia resulta de una mezcla de influencias españolas, indígenas y africanas (debido al transporte de esclavos para las plantaciones de café y la minería). En el siglo XIX, la abolición de la esclavitud aumentó la influencia mutua entre los diversos grupos étnicos. El siglo XX fue la época de oro del bambuco, el porro, la cumbia y el vallenato. Cuando el vals se volvió popular, en el mismo siglo, los colombianos produjeron su variante: el pasillo. En el campo de la llamada música clásica, nos podemos referir, por ejemplo a Luis Antonio Calvo, a Luis Antonio Escobar o a Guillermo Uribe Holguín. Desde la década del 80 ha tomado gran fuerza el rock como música nacional. El Festival Rock al parque, que se realiza cada octubre en Bogotá es considerado el más importante de América Latina. Un ejemplo del "boom" del género "Pop latino" en Colombia son artistas de renombre internacional como los cantautores Juan Esteban Aristizábal (Juanes), Shakira una de las cantantes con más éxito internacional en la historia de la música latina y Aterciopelados una de las bandas de Rock en Español más relevante del continente.
FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: DECIMO       GRUPO:

AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL

PROPÓSITO: Identificar conceptos de historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural

TEMAS A DESARROLAR: Los orígenes de la historia, mundo neolítico y la vida cotidiana.

DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA


Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

Técnica y estética impresionista
Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, el movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias. La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y en especial la ley de los colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. La característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulado del color. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, donde el contraste se da por valor, esto se denomina modelado del color; el contraste entre claridad y oscuridad es la que generan la ilusión de profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo al uso del color.
FECHA:                                       PERÍODO:                GRADO: DECIMO       GRUPO:

AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO DEL TALLER: Identificar conceptos de historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural local, regional y nacional desde el ámbito universal.
TEMAS A DESARROLAR: Los orígenes de la historia del arte y la estética en el impresionismo.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

Variantes en la estética impresionista
No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez. Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación estética. De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos. Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.
FECHA:                                         PERÍODO:                GRADO: ONCE               GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL Y CULTURAL
PROPÓSITO: Identificar conceptos del arte y relacionarlo en el contexto sociocultural nacional
TEMAS A DESARROLAR: Los orígenes de la historia, mundo neolítico y la vida cotidiana.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

SIMBOLISMO: ARTE Y CULTURA UNIVERSAL
El simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su soneto Vocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia. El simbolismo fue en sus comienzos una reacción literaria contra el naturalismo y el realismo, movimientos anti-idealistas que exaltaban la realidad cotidiana y el ubicaban por encima del ideal. Estos movimientos provocaron un fuerte rechazo en la juventud parisina, llevándolos a exaltar la espiritualidad, la imaginación y los sueños. 
El primer escritor en reaccionar fue el poeta francés Charles Baudelaire, hoy considerado padre de la lírica moderna y punto de partida de movimientos como el Parnasianismo, el Decadentismo, el modernismo y el simbolismo. Sus obras, entre las que destacan Las flores del mal, Los pequeños poemas en prosa y Los paraísos artificiales, fueron tan renovadoras que algunas de ellas fueron prohibidas por considerarse oscuras e inmorales, al retratar sin tapujos el uso de drogas, la sexualidad y el satanismo. El primer movimiento de esta ideología postromántica sería el parnasianismo. El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas. Los simbolistas fueron separándose del parnasianismo porque no compartían la devoción de este por el verso perfecto.

FECHA:                                         PERÍODO:                GRADO: ONCE               GRUPO:
AREA O ASIGNATURA: EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL
PROPÓSITO: Identificar conceptos de historia del arte y relacionar en el contexto sociocultural
TEMAS A DESARROLAR: Orígenes de la historia, el simbolismo pictórico y la vida cotidiana.
DOCENTE RESPONSABLE: CARLOS MARIO ARROYAVE LOPERA

Instructivo: Los estudiantes copiarán el siguiente texto en una hoja de bloc y después su reflexión personal acompañada de un dibujo que represente la lectura analizada. También pueden pintar un grafiti que exprese sus sentimientos personales y la influencia del arte en las costumbres y la sociedad moderna. Al final de la clase, el monitor del área recogerá los trabajos y se los entregará al coordinador.

SIMBOLISMO PICTÓRICO
Pictóricamente las características más relevantes son las siguientes: Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Del mismo modo el uso de colores pasteles, por parte de algunos artistas, junto con la difuminación del color, perseguía el mismo objetivo. Temática: Pervive un interés por lo subjetivo, lo irracional, al igual que en el romanticismo. No se quedan en la mera apariencia física del objeto sino que a través de él se llega a lo sobrenatural, lo cual va unido a un especial interés por la religión. Los pintores y poetas ya no pretenden plasmar el mundo exterior sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea. Una de las novedades más importantes, a nivel temático, es el de la mujer fatal. Surge la unión entre el Eros y el Thanatos y en ello subyace una nueva relación entre sexos. A la pintura se la define con conceptos como ideista (de ideas), simbolista, sintética, subjetiva y decorativa. El simbolismo tuvo una marcada influencia en movimientos posteriores, como el Art nouveau o el surrealismo.
Técnicas: Lo que une a los artistas es el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad, en oposición al realismo, y en donde cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura única, sino que cada obra puede remitir cosas distintas a cada individuo. Su originalidad, pues, no estriba en la técnica, sino en el contenido.
Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.


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