Cromoterapia

Los colores tienen una fundamental influencia en todos los órdenes de nuestra vida, y reflejan e influyen tanto en nuestro estado de ánimo como en profundas e intrincadas reacciones químicas a nivel celular. La terapia del color está basada en el antiguo arte de utilizar color y luz para tratar la enfermedad. Los terapeutas creen que al alterar los colores que nos rodean, es posible elevar la salud y el bienestar. Las formas más tempranas de terapia incluían el uso de gemas de colores y luz solar. Ahora existe un amplio rango de opciones de tratamientos disponibles y muchos terapeutas combinan el uso del color con otras terapias complementarias, como aromaterapia, gemoterapia, yoga.

ELIXIRES DE LUZ: LA CURACION DEL ARCO IRIS

Esta es una forma simple y económica de aplicar color al cuerpo. El agua es procesada mediante su exposición a la luz solar en un recipiente de color puro por algunas horas, y de esta forma se irradia y toma la energía vibracional del color en particular. Posteriormente se le somete a una frecuencia equivalente a este color para potenciar la fórmula, las lo cual se dinamiza y potentiza. El producto obtenido se llama elixir de luz y hay uno para cada color del espectro. Se toman en forma similar a las Flores de Bach o los Elixires de Gemas, y incluso combinado en la fórmula. Son inocuos y no producen efectos colaterales.

PROPIEDADES CROMÁTICAS Y TERAPIAS ALTERNATIVAS:

ROJO - Se asocia con el chakra base en la región del sacro. Promueve vitalidad, fortaleza, sexualidad, fuerzas de voluntad y actitud alerta. El rojo es utilizado para contrarrestar la anemia, la falta de energía, impotencia, y baja presión. Complemento: Turquesa.

ANARANJADO - Está asociado con el chakra del bazo, el cual regula la circulación y el metabolismo. El anaranjado estimula la glándula tiroides, es un estimulante respiratorio, pero depresivo de la acción paratiroidea. La vibración del anaranjado expande los pulmones. Promueve la felicidad y alegría. Es utilizado para tratar la depresión, hipotiroidismo y problemas de los riñones y pulmón, como asma y bronquitis. Su complemento es el azul.

AMARILLO - Está asociado con el chakra del plexo solar, que tiene relación con el intelecto y el juicio. El amarillo estimula la capacidad mental y la concentración, y ayuda al desapego. Puede ser usado para tratar reumatismo y artritis. Su complemento es el violeta.

VERDE - Verde es el color del chakra cardíaco. Es también el color de la naturaleza. Equilibra nuestras energías, y puede ser utilizado para incrementar nuestra sensibilidad y compasión. Representa la pureza y la armonía. Tiene un efecto calmante, especialmente en condiciones inflamatorias del cuerpo. Es suavizante del sistema nervioso. Es un gran curador. Tonifica los músculos, huesos, y otros tejidos celulares. Su complemento es el magenta.

AZUL - El azul está asociado con el chakra laríngeo, que trata la fuerza de voluntad y la comunicación. El azul es un color calmante, bueno para curar insomnio. Puede ser utilizado para problemas de garganta, asma, estrés y migraña, y es bueno para mejorar las habilidades verbales. Su complemento es el anaranjado.

INDIGO - Indigo y otras gamas más oscuras son colores dinámicos curativos tanto a nivel espiritualcomo físico. Indigo es equilibrador de todas las condiciones a las que se asocia. Fortalece el sistema linfático, las glándulas, y el sistema inmunológico del cuerpo. Es un excelente purificador sanguíneo y puede ser utilizado para ayudar a desintoxicar el cuerpo.

VIOLETA - Violeta es el color del chakra de la corona, que trata la energía de la mente superior. También afecta todo el sistema óseo y nervioso del cuerpo. Es muy antiséptico, purificador tanto a nivel físico como espiritual. Ayuda a equilibrar las energías físicas y espirituales. El Violeta también es efectivo en condiciones cancerosas del cuerpo. La artritis también puede ser aliviada por una luz violeta que se inclina hacia los tonos azulados. Violeta también ayuda al cuerpo a asimilar nutrientes y minerales. Es utilizado para reforzar la autoestima y contrarrestar sentimientos de desesperanza, como también en el tratamiento de desórdenes mentales y nerviosos. Su complemento es el amarillo.

LIMON - Este color es obtenido de la combinación de verde y amarillo, de modo que tiene propiedades de ambos. Tiene importantes efectos en el sistema digestivo y la actividad del hemisferio

cerebral izquierdo. La aplicación clave del color limón en cromoterapia es la estimulación mental. El Limón es vitalizador y estimulante del cerebro. En consecuencia, es efectivo para tratar y aliviar condiciones asociadas con él, tales como Mal de Alzheimer, senilidad, etc. Puede ser usado para ayudar a estimular las capacidades naturales del cerebro. Siempre tiene una gama del verde dentro del espectro, y en el limón, el verde opera como limpiador. Ayuda a llevar toxinas tanto físicas como emocionales a la superficie para que puedan ser limpiadas.

TURQUESA - No se asocia ningún chakra en forma puntual con el turquesa. Turquesa combina la acción limpiadora del verde y suavizante del azul. Es suavizante, purificador, y calmante. Se usa para combatir enfermedades inflamatorias y para elevar el sistema inmunológico. Su complemento es el rojo.

PURPURA Y ESCARLATA - Púrpura es una combinación de rojo y azul. La propiedad clave de púrpura utilizada en cromoterapia es la intensa purificación otorgada por el púrpura. Su principal aplicación es como desintoxicador del cuerpo. Escarlata y púrpura tienen efectos opuestos en terapia por el color. Por ejemplo, escarlata es un vasoconstrictor y eleva la presión sanguínea mientras que púrpura es un vasodilatador y disminuye la presión sanguínea.

MAGENTA - Es el color de la orden superior, conectado con la espiritualidad, meditación, y el dejar ir. Es un agente para el cambio, para limpiar viejas actitudes y obsesiones. Su complemento es el verde. Energiza las glándulas adrenales, la acción del corazón y el sistema reproductivo. Actúa como diurético. Es bueno para el tratamiento de los cuerpos áuricos. Es un fino estabilizador emocional.

BLANCO - Blanco, el color que contiene el espectro de luz en su totalidad, influencia todos los sistemas del cuerpo. Es la base para la terapia lumínica. Es un color fortalecedor. Es limpiador y purificador de todo el sistema energético. Promueve la pureza, la virtud y la espiritualidad. Es nutritivo, cura las fiebres, infecciones y dolor, calma el corazón, la mente, los nervios y las emociones. Promueve la vitalidad y sentimientos de apoyo. Puede despertar una mayor creatividad. Cuando hay dudas sobre qué color usar, es raro equivocarse al elegir el Blanco.

NEGRO - Es un color de protección. Lleva a tierra y es calmante, especialmente para personas extremadamente sensibles. Activa las energías magnéticas o femeninas del cuerpo, fortaleciéndolas. Negro es el color espiritual de algunas religiones, pero es el color de la muerte para otras. Promueve resistencia, obstrucción, oposición y enemistad. Previene emociones negativas y el odio. Es más efectivo cuando se usa en conjunto con el blanco, equilibrando las polaridades del individuo, especialmente en casos donde el individuo parece estar perdiendo el control. Puede activar la mente forma unicista, sino más bien para matizar otros colores.

ULTRAVIOLETA - Tiene acción química y bactericida en los tejidos corporales y la sangre. Destruye las toxinas de las bacterias y ayuda a los glóbulos blancos en su acción. Las vitaminas A, B, C, D y E son afectadas por la luz ultravioleta. Acelera las actividades linfáticas y circulatoria. El Ultravioleta normaliza toas las actividades metabólicas y glandulares. Estimula la producción de anticuerpos einmuniza al cuerpo contra la enfermedad. Tiene acción estimulante sobre el sistema simpático. Sin embargo, actúa como sedante para el dolor. Es bueno para el corazón y los pulmones.

DORADO - Es un importante color en la curación oriental. Su principal propiedad es la de fortalecer y amplificar. El Dorado es muy útil para incrementar la autoconciencia. Tiene efecto benéfico en el sistema inmunológico y en las condiciones cardíacas.

ROSADO - Es suavizante. Puede ser usado para tratar condiciones de la piel e inflamaciones, y el sistema inmunológico. Es un color suavizante en los niveles mental, físico y emocional. Para suavizar condiciones de enojo y sentimientos de rechazo. Despierta la compasión, amor y pureza. Puede usarse en meditación para discernir verdades fundamentales interiores. Es confortante para las energías emocionales del individuo. Físicamente, es más efectivo en el tratamiento de problemas y condiciones de piel, en especial combinado con turquesa. También estimula la glándula timo y alivia tensiones del sistema inmunológico.

MARRON - Es un color de tierra. Lleva a tierra, estabiliza y neutraliza. Es un color efectivo en la curación. Es especialmente efectivo para estabilizar estados de hiperexcitación. Calma y centra las emociones y condiciones mentales extremas. El marrón puede ayudar a despertar el sentido común y la discriminación. Nos trae de vuelta a la tierra. Cuando aparece en el aura humano, el marrón puede indicar un sentido de conexión con la tierra. Cuando el aura toma la gama del marrón, a menudo refleja infección en el cuerpo o aquella área del cuerpo en la que el marrón reviste el aura. Puede estabilizar todos los sistemas. Es útil en casos de hiperactividad con los niños, especialmente con las combinaciones de colores en el rango entre el color óxido y el marrón profundo.

TRANSPARENTE - Se utiliza principalmente para suavizar los efectos de los colores individuales o las fórmulas combinadas, en particular si al tomar un Elixir de Luz Cromática se experimenta un cambio muy brusco, difícil de asimilar. Para reconectar todo el sistema energético, si uno se siente repentinamente cansado, con las energías minadas. También si se experimenta una desconexión entre los cuerpos físico, mental, emocional y espiritual, como si fueran entidades independientes en lugar de un todo. Aumenta la circulación cromática en el sistema energético, pudiendo ayudar en este sentido a su equivalente físico, pero también la circulación de emociones e ideas. Acompaña y estimula estados de meditación.

ARCO IRIS - Para fortalecer todo el sistema energético. Estimula el sistema inmunológico. Fortalece la sinergia en fórmulas combinadas, sean sólo de Elixires de Luces Cromáticas como así también de florales, gemas y otros sistemas vibracionales. Incrementa el efecto de los otros colores cuando se están utilizando en forma unicista, y para esto es recomendable tomar Arco Iris en forma alternada con la esencia individual, en frascos separados. Incrementa el caudal de alegría, pensamientos positivos, y deja ir en forma contundente la tristeza. Ayuda a llorar en estados de duelo, a la vez de mantener una expectativa positiva de la vida, entendiendo el flujo natural de los procesos vitales. Aumenta la comprensión, la imaginación y la creatividad. Estimula la visualización.

CONCEPTO DE CARICATURA

Caricatura, tal y como viene definida en el Diccionario de la Real Academia de la Lengua española, es: “Figura ridícula en la que se deforman las facciones y el aspecto de alguna persona.”[i] Esta definición no ha variado mucho desde la primera vez que se incluyó en el diccionario: “Figura ridícula en la que se abultan o recargan y pintan como deformes y desproporcionadas las facciones de alguna persona.”

* LA CARICATURA COMO DEGRADACIÓN:     En principio la degradación se constituye como recurso básico de la caricatura de tal forma que ésta lleva a cabo la degradación extrayendo del conjunto del objeto un rasgo aislado que resulta cómico, pero que antes, mientras permanecía formando parte de la totalidad, pasaba inadvertido. Esta degradación tiene una manera muy peculiar de actuar: lo hace comparando lo sublime con lo vulgar, lo eminente con lo humilde. Se produce por la bisociación en la que se consigue la percepción por medio de dos estructuras de referencia habitualmente incompatibles.

  

*  LA CARICATURA COMO JUEGO: Desde el momento en el que el caricaturista juega con la fisonomía humana trasponiéndola a un lenguaje determinado. Este juego con el signo gráfico se convierte en un símbolo o ideograma, estableciendo un juego funcional ya que reemplaza al objeto caricaturizado.

  

*  LA CARICATURA COMO SÍNTESIS VISUAL: Para algunos autores es más determinante en la caricatura que la propia exageración y consistiría en la plasmación sobre el papel de una idea con los mínimos trazos. No obstante esta afirmación se ha de tomar con la debida prudencia desde el momento en el que los primeros caricaturistas como Chezzi, Rivaltz o Rowlandson realizan caricaturas muy elaboradas que crearon escuela y que influyeron decisivamente a los caricaturistas del siglo XIX. No podemos olvidar por otro lado,  como señala Geipel, que la simplificación y sintetización de los complicados mecanismos de la vida político social son el exponente de una depurada sofisticación intelectual.

  

*  LA CARICATURA COMO INGENUIDAD: Idea ya recogida por Gavarni, quien comparaba la caricatura al dibujo de los niños. Esta idea no la podemos utilizar de una forma absoluta desde el momento en el que la simplificación es ante todo intelectual, pero sí parece más apropiado hacer referencia a esta característica en lo que se refiere a su aspecto formal.

*   LA CARICATURA COMO CÓDIGO O LENGUAJE FISIONÓMICO: Tanto en lo que es una caricatura personal como una caricatura en cualquiera de sus posibles subgéneros, usa de unas reglas fijas que hacen reconocible el objeto, crea por tanto un código convencional que no nace de una imitación de la realidad, todo lo más de una similitud con ésta. Estas reglas en lo que a la caricatura personal se refiere se originan en la fisionómica pre-científica que clasifica la cabeza, cara y gestos conforme a unas determinadas pautas que nos hablan del personaje en cuestión, estas pautas terminan por estandarizarse en el pensar popular que ve en la caricatura el reflejo de esta idea y la toma como propia.

*   LA CARICATURA COMO POSESIÓN: La caricatura toma los rasgos de la “víctima”, en  palabras del antropólogo Levi Strauss es una revisión puesta al día del “Hombre de paja”, el muñeco usado por el pueblo para exteriorizar sus ataques contra la persona odiada, la caricatura entonces se llena de elementos satíricos de tal forma que maneja a su antojo al caricaturizado, lo lleva por donde quiere ir, lo somete a una reducción como si de un sortilegio se tratase.

*  LA CARICATURA COMO CONTENIDO: Toda caricatura del tipo que sea representa algo, un algo reproducido mediante una serie de signos reconocibles que hacen que su comunicado sea entendido por amplias capas de la sociedad de su momento.

Pese a ello hay veces que se hace necesaria la inclusión  de un texto que proporcione un mensaje, esto se deberá a tres motivos:

            a) Como parte fundamental, ya que explica la imagen.

            b) Como parte única de la comicidad, convirtiéndose así la imagen en un “chiste ilustrado”.

            c) Como complemento de la imagen, emitiendo un juicio sobre ella que la complementa.

 *   LA CARICATURA COMO GRABADO SIMBÓLICO: Si el término caricatura nos hace pensar de una forma casi automática en lo cómico, no podemos olvidar el hacer referencia a un tipo de caricatura, la política, que en principio no tiene por que tener comicidad, haría falta pues en castellano algún término específico que lo distinguiese, este problema también fue abordado por Gombrich, introduciendo el término de grabado simbólico para poder hacer referencia a este tipo de producción gráfica.

 *  LA CARICATURA COMO MEDIO DE MASAS: La caricatura está ligada a los medios de masas, tanto es así que autores como Edward Fuch señala que no se puede hablar de caricatura en la historia hasta que no aparecen los nuevos sistemas de reproducción en la Época contemporánea, y que incluso la excepción confirma la regla ya que en la antigüedad no conocían las caricaturas salvo por las estatuillas de terracota que exigían un procedimiento mecánico. Con ello queremos decir que la caricatura por definición necesita de un contemplador que es una sociedad o amplios sectores de esa sociedad, con lo que para ello se hace necesario un sistema de reproducción adecuado; por otra parte la caricatura por definición es en gran medida política, esto  es, se usa como instrumento de cambio político, con lo que se han de contar con unos medios de difusión que puedan facilitar esta labor.

*    LA CARICATURA COMO OPINIÓN: Señala Pasteca que “Pienso y luego dibujo una línea alrededor de mi pensamiento” para definir caricatura ya que según él la caricatura es una opinión, es más, sigue diciendo que un entrevistador refleja lo que el entrevistado dice, un caricaturista refleja lo que él quiere.

 *   LA CARICATURA COMO VERSIÓN HUMORÍSTICA DE UN PERSONAJE: Definición que sobre el término daba el caricaturista José Luis Dávila haciendo hincapié en el humor como elemento esencial y definitorio de la caricatura.

             

* TIPOLOGÍAS DE CARICATURAS: Tras el análisis de todas estas características que nos permiten adentrarnos en el concepto, corresponde en este momento tratar de resumirlas intentando una revisión del concepto y aproximarnos a una definición para poder acotar y clarificar el término.

Visto todo lo anterior, podemos definir caricatura como: Una imagen generalmente unida al grabado o a cualquier otro tipo de reproducción masiva que consiste en una reducción o síntesis visual por medio de líneas de la persona u objeto que se representa; en donde la idea de agresividad, degradación, exageración, juego fantasía o vertiente humorística están en mayor o menor medida patentes con el fin de crear un código por el que se pueda representar una opinión, una crítica, o en definitiva un contenido que se quiere dar a conocer en relación a una persona, una idea o una situación determinada. 

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Escultura neoclásica

Aunque la tradición escultórica barroca sigue manteniendo cierta pujanza, la labor de Winckelman ejerce una gran influencia en los escultores de la segunda mitad del siglo XVIII. Los modelos "anti-barrocos" los va a suministrar la antigüedad clásica, más Grecia que Roma. No surgirá, sin embargo, una escultura tan llena de vida como la renacentista, debido al prejuicio de considerar lo clásico como un ideal insuperable que había de copiarse al pie de la letra. Y, en efecto, apenas hubo otra cosa que copia mecánica de la antigüedad. En realidad, en aquella escultura no interesaba sino la belleza puramente formal; el espíritu está ausente.

ANTONIO CANOVA –Italiano- (1757-1822) es uno de los grandes escultores de la Historia del Arte y el mayor representante del movimiento neoclásico. Se le ha considerado como el último gran artista italiano. Su vida estuvo llena de atenciones y todos los grandes de la época lo estimaron: papas, reyes, estadistas e intelectuales.Tomó por modelo las obras griegas conservadas en Italia, fundamentalmente del período helenístico, y sólo ya tardíamente pudo contemplar con sus ojos los mármoles griegos, las esculturas del Partenón que instaló en Londres Lord Elgin. Como buen clásico, amó la juventud. Sus personajes son siempre jóvenes aunque un tanto insensibles. Sus mármoles blancos resultan fríos. Dotado de un enorme talento, en la más pura tradición de la escultura italiana(Miguel Ángel, Bernini), su producción es enormemente variada:

Los temas mitológicos: "Teseo y Minotaruro - Eros y Psique", las  Tres Gracias" – “Hebe escanciadora” – “Venus saliendo del baño”, etc.

Monumentos fúnebres para los Papas Clemente XIII y Clemente XIV en Roma y para María Cristina de Austria , en Viena, su obra de mayor originalidad.

Destacó igualmente en el retrato. Destacó su trabajo para Napoleón y su familia. Suya es la gran estatua de Napoleón del Museo de Brera, de Milán como un emperador romano, a "Leticia Bonaparte", madre de Napoleón la representó sentada, a la usanza de matronas romanas". Paolina Bonaparte Borguese, hizo un retrato representándola como "Venus victoriosa", recostada semidesnuda sobre un diván estilo imperio. También retrató otros personajes, entre los que cabe contar al propio "George Washington". También en Roma trabaja el danés Thörwaldsen, sus obras son frías y académicas: Hermes, Jasón, Las 3 Gracias.

La pintura neoclásica: La pintura neoclásica presenta escasa originalidad, reinventa el clasicismo a partir de prototipos barrocos, ya que no existen suficientes restos romanos y griegos para inspirarse. El ideal del pintor neoclásico es intentar reproducir la escultura clásica a dibujo. El dibujo predomina sobre el color y las composiciones se encuadran en formas geométricas como rectángulos o triángulos. Los pintores de este momento se forman en academias de pintura, muchas de ellas en Italia, por lo cual a su pintura se la llamará también académica. En este momento se inician también los concursos de pintura y las exposiciones oficiales. El principal pintor neoclásico fue el francés Jacques-Louis David - (1748-1825), que introdujo el neoclasicismo en Francia y fue su máximo exponente desde la época de la revolución hasta la caída de Napoleón I Bonaparte. Se forma en la pintura académica en Italia y al tener el inconveniente de la falta de modelos grecorromanos, David se inspiró en los relieves, de los cuales toma la simetría, la falta de profundidad y la ordenación de las figurasen filas paralelas. David representa además al pintor político, comprometido con los ideales de la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico, que no duda en poner su arte al servicio de la propaganda. En 1785 pinta en Roma "El juramento de los Horacios", que se convierte en el manifiesto de la pintura neoclásica europea. David supo conectar con los ánimos contemporáneos, glorificando las virtudes del patriotismo y sacrificio, abandonando de manera intencionada la narración de la historia para concentrarse en el momento de exaltación que implicaba el juramento. La historia se remite al origen legendario de Roma, que está en lucha con la ciudad de Alba, en el siglo VII a.C. La guerra será resuelta mediante el combate singular de tres campeones romanos y tres campeones albanos. Los designados son los tres hermanos de la familia de Horacio, por la parte romana, y los tres hermanos de los Curiati, por parte de Alba. Hay que tener en cuenta que la idea que se tiene en el siglo XVIII de los modelos griegos se basa en la ignorancia de que dichos modelos son, en la mayoría de los casos, copias romanas. Entonces cayó en la cuenta de su gran error: Grecia surgía ante su vista como una realidad imprevista, llena de vida.("He visto los mármoles de Fidias. No tenían nada de afectado, de exagerado, nada de duro (...) son verdadera carne...") Sin embargo, el caso está complicado por el hecho de que estas dos familias están ligadas por sendos matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad. La pintura neoclásica  tiene  por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio público, el de la guerra o el trabajo. El espacio femenino será siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas. La composición rectangular recuerda a un escenario teatral; las figuras principales ocupan todas ellas el primer plano. Las líneas y los contornos definen con toda claridad los volúmenes. La luz, fría y oblicua, que puede recordar a Caravaggio, irrumpe sobre las figuras otorgándoles mayor presencia. Nada es superfluo: la austeridad queda indisolublemente unida ala virtud. La misma intención didáctica se refleja en sus obras "La muerte de Sócrates" (1787) y "Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos" (1789), programas políticos donde se ensalzan una vez más los valores del sacrificio, el estoicismo, la defensa de la verdad y del deber. A partir de 1790, David se convierte en propagandista de la Revolución y en activista entusiasta cuando es elegido miembro de la Convención en 1792. De su entusiasmo revolucionario es “El juramento del juego de Pelota” y otra de de sus obras cumbres es "La muerte de Marat" (1793). Con la llegada al poder de Napoleón, David será su pintor de referencia. "El rapto de las Sabinas" (1799) representa la idea de reconciliación entre los franceses que simbolizaba Napoleón tras los radicalismos revolucionarios previos. Napoleón cruzando los Alpes, La coronación de Napoleón son otras obras que ensalzan los triunfos y la figura de Napoleón. También será muy importante su faceta como retratista y así serán numerosos los retratos que hace de Napoleón Bonaparte o de la burguesía francesa como el de Madame Récamier. A la sombra de David hay que situar otros pintores como Ingres, al que muchos autores consideran superior al mismo David, que se encarga de defender la pintura académica frente a los nuevos pintores románticos que empiezan a surgir a partir de 1820.

Francisco de GOYA: Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) nace en Fuentetodos, pueblo de Zaragoza. Aprende el oficio de pintor en Zaragoza siendo muy influido por el barroco italiano. Posteriormente se traslada a la Corte de Madrid donde trabaja hasta los cuarenta años pintando escenas costumbristas en los cartones para tapices. Protegido de la Duquesa de Osuna se convierte en 1785 en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara de Carlos IV. En este momento Goya se convierte en el retratista de moda de nobles y autoridades. Hasta entonces su vida ha sido un recorrido de triunfos artísticos y sociales, vive con holgura y lujo. Hacia 1790 queda sordo produciéndose una auténtica metamorfosis de su personalidad artística que le inclina al aislamiento y la introspección, deja de contemplar la sociedad como un conjunto de cuadros y costumbres amables y empieza a considerar el ángulo negativo de los convencionalismos. A partir de 1808 la Guerra de la Independencia, con todos sus horrores, supone una nueva experiencia dolorosa que intensifica su pesimismo y crítica social. Tras la guerra y a pesar de ser considerado un afrancesado es repuesto por Fernando VII en su puesto de pintor de cámara, pero liberal convencido los excesos del absolutismo le hacen aislarse más. Es su época de las pinturas negras. Tras la entrada de los Cien Mil Hijos de San Luís en 1823 y la restauración absolutista, Goya abandona España y se instala en Burdeos donde muere en 1828.

Goya, pintor de cartones: Se forma en Zaragoza en el taller de José Luzón, pintor barroco. Así, sus primeras obras tienen temas religiosos, pero a su llegada a Madrid, en 1.773, empieza a realizar cartones para la Real Fábrica de tapices. En ellos se ve claramente la influencia de pintores barrocos como Tiépolo y Meng. La mayor parte de los cartones de Goya, siempre realizados al óleo sobre lienzo, tratan temas de contenido vital y optimista; las figuras están relacionadas con una amable naturaleza en la que se desarrollan aspectos costumbristas y cotidianos. En estas escenas (campestres, de diversión, cacerías,…) se mezclaban nobleza y pueblo en una época cuya moda venía señalada por el hecho de que la alta sociedad gustaba de vestir al estilo de majas. Poco a poco los cartones presentan un carácter más personal como en La vendimia, La gallina ciega, El quitasol, El pelele, etc.

Goya en la corte de Carlos IV: Su trabajo en los cartones para tapices lo empieza a compaginar con su trabajo como retratista de la nobleza y personas importantes de la Corte madrileña. Simultánea los retratos con los cartones para tapices como "El columpio" o "La pradera de San Isidro". Su fama crece muy rápidamente y es el retratista preferido por la nobleza de la corte de Madrid. Goya se muestra como un colorista delicado, logrando que el predominio de los grises entone perfectamente con los verdes y rosas de la esposa e hijos que contrasta con el oscuro uniforme del Duque En estos años entra en el círculo de la familia Alba e íntima con la Duquesa a la que retrata en varias ocasiones. Tras la muerte de la Duquesa de Alba (1.802) pinta dos de sus obras más conocidas, La maja desnuda y La maja vestida. En la primera el pintor deja de lado su factura libre y espontánea y se recrea en el dibujo y en la línea del cuerpo. Por contraste "La maja vestida" está hecha con una técnica impresionista y con un color caliente. Son retratos que se apoyan en la pasión, en la amistad y en la añoranza.

Goya en la catástrofe.

En 1.808 estalla la guerra de La Independencia. Goya se convierte en un cronista que intenta ser desapasionado y frío en el análisis de la crueldad. Aunque de simpatías afrancesadas también comprendió la lucha patriótica y nacional del pueblo español. Desde el punto de vista pictórico, la guerra de la independencia fue traducida por Goya en sus dos grandes composiciones del 2 y 3 de Mayo, conocidos como "La carga de los mamelucos" y "Los fusilamientos del 3 de mayo", la memorable serie de grabados de "Los desastres de la guerra", así como un enigmático cuadro al que se conoce como “El coloso”. En general, hasta Goya la guerra había sido representada como un espectáculo bello, pero los horrores de la guerra, con las violaciones, fusilamientos, robos, sacrilegios, fueron caldo de cultivo propicio para una mente tan inclinada a la exaltación como la suya. Goya pinta, pues, una guerra distinta: un cúmulo de tragedias. No obstante las dos grandes obras pictóricas sobre la guerra se realizan tras la vuelta al poder de Fernando VII: "El dos de Mayo" y "Los fusilamientos del 3 de Mayo" realizados en 1.814, ambos cuadros responden a una concepción pictórica totalmente nueva, el romanticismo, rehuyendo la tradición académica. "El dos de Mayo" es una obra expresionista, donde el asunto trágico, el pueblo protagonista de una crónica sangrienta, es representado con un colorido vivo.

Obra final: Las pinturas negras. Entre 1.820 y 1.823 Goya permanece encerrado en su casa de Madrid conocida como “La Quinta del Sordo”, realizando el conjunto más completo y logrado de su obra: las "Pinturas negras". Las catorce obras fueron pintadas de noche, a la luz de las velas, directamente sobre la pared, posiblemente en un estado de paranoia inducida por la angustia de la sordera, sin ninguna intención de exhibición pública, casi como una catarsis privada. Estas pinturas rompen con la tradición pictórica anterior. Realiza estas pinturas para sí mismo y nos ofrece una visión profundamente pesimista y agresivamente irónica sobre el mundo y los hombres.

Goya, grabador: Con la excepción de Ribera, cuya producción se realiza en Italia, y de ciertos tanteos de algunos pintores barrocos, se puede decir que Goya es el primer grabador en la historia del arte español. Su primera gran obra como grabador son "Los caprichos", una serie de estampas concebidas como obra completa de colección, provistas de una intención crítica. Goya utiliza además del aguafuerte la técnica de la aguatinta, con la que obtiene efectos de fondos sombríos, de un negro o gris uniforme, como de tintas planas, sobre las cuales se recortan las siluetas blancas con intensidad enteramente moderna. Normalmente suele combinar ambas técnicas: trabaja los fondos con aguatinta y las figuras en aguafuerte, repasando en algunas ocasiones con buril o punta seca. Esta serie de los "Caprichos" es la primera colección para ser vendida en conjunto. Contiene una crítica irónica y despiadada sobre la corrupción de las costumbres (prostitución, celestinaje), la superstición (brujería, el anticlericalismo y la ignorancia). Su estilo sigue siendo libre: la concepción de la composición, el tratamiento y dibujo de las figuras, la utilización de luces y sombras, no tienen nada de académico. La caricaturización, el simbolismo y la crítica son las notas características de la serie.

ÓMAR RAYO

Ómar Rayo Reyes (Roldanillo, Valle del Cauca, 20 de enero de 1928 - Palmira, 7 de junio de 2010) fue un reconocido y famoso pintor colombiano. Inició su carrera artística como caricaturista dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali yBogotá. Desde 1948 expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia. En 1954 comenzó a viajar por América Latina para estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se radicó en Nueva York por aproximadamente diez años. En 1970 obtuvo el primer puesto del Salón Nacional de Artistas de Colombia.

En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto mexicano Leopoldo Goout. Se exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes gráficas, además de un teatro para 150 personas. 

La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto. Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.

Realizó más de 200 exposiciones en Japón, Hungría, Polonia, Alemania, Noruega, Francia, España, Italia, Estados Unidos, Costa Rica, Puerto Rico, México, Venezuela, Ecuador, Perú, Chile, Brasil, China.

El 20 de enero de 2012, con motivo del aniversario de su nacimiento Google realizó un homenaje al artista colombiano.

EDGAR NEGRET

EDGAR NEGRET DUEÑAS 

(Popayán, 11 de octubre de 1920 - Bogotá, 11 de octubre de 2012) fue un escultor abstracto colombiano. Junto con Hugo Martínez González y Eduardo Ramírez Villamizar, introdujo la escultura abstraccionista y geométrica en Colombia a mediados del siglo XX. Sus obras se caracterizan por un amplio uso del hierro y el aluminio como material estructural y formal, uniendo sus láminas y partes mediante tuercas y tornillos. Sus esculturas se caracterizan asimismo por el uso de elementos geométricos y por el rigor compositivo. Existen varias esculturas suyas en el espacio público de Bogotá, Popayán y Medellín. Hijo del general Rubelio Cardona Giraldo y de María Dueñas, Negret estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. Al año siguiente, conoció en su ciudad natal al escultor vasco Jorge Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna. Así, después de sus figuras erguidas o reclinadas, realizadas en la escuela dentro de una concepción convencional, Negret trabajó entre 1944 y1948 una serie de yesos de innegable calidad, que anticipan su enorme inventiva. Son cabezas (de los poetas Guillermo Valencia, Porfirio Barba-Jacob, Gabriela Mistral y Walt Whitman), algunos temas religiosos (Virgen, Cabeza del Bautista, Ascensión, Mano de Dios y Anunciación), algunos temas mitológicos (Tritón y Venus') y La muchacha en la ventana. Aunque en las cabezas se reconocen los personajes, estas esculturas son básicamente abstractas por ser ante todo formas esenciales, alejadas de los pormenores.

A fines de 1948 Negret efectuó su primer viaje a Nueva York. Allí, a más de algunas cerámicas biomórficas, realizó sus primeras construcciones. Entre ellas se destacan El nido y Rostro de Cristo, ambas de 1950. En una y otra, la lámina de metal y el alambre aluden a los temas sin ninguna proclividad naturalista.pero admiraba mucho a Eliecer Lopez. En 1949 Negret había realizado otra escultura en metal: Vaso con una flor, un dibujo hecho en varilla de hierro que no sólo representa el tema sino delimita el espacio real. Luego de una breve temporada en Colombia, Negret viajó aEuropa; vivió en París, Barcelona, Madrid, Mallorca y Saint Germain-en-Laye, entre 1950 y 1955. Inicialmente siguió trabajando yesos. 

En estas esculturas la abstracción predomina sobre cualquier alusión figurativa, tal como lo corroboran los propios títulos de las obras: Dirección sur, Homenaje a Gaudí, Columna conmemorativa de una masacre, etc. Luego de ver en París la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret pasó a utilizar el hierro. Estas construcciones realizadas en Palma de Mallorca, entre 1953 y 1954, ya sugieren aparatos o máquinas. A fines de 1955 y hasta 1963 Negret se instaló en Nueva York. Durante estos años ejecutó la serie denominada Aparatos mágicos, en la que, por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) y luego de intentar unir las diferentes piezas con dobleces se decidió por la utilización de tuercas y tornillos. La serie se caracteriza por el empleo de elementos geométricos y por el rigor compositivo; también por el color: las construcciones están pintadas de negro, blanco, rojo y azul. En 1962 expuso sus Eclipses en Espoleto junto a los escultores venezolanos Jesús Rafael Soto y Alejandro Otero. Luego de quince años de ausencia, Negret regresó a Colombia en 1963, y desde entonces vivió en Bogotá (donde ya había expuesto en1958 y 1962), con un corto itervalo en Cali entre 1968 y 1971. En 1963 participó en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia y ganó el primer premio en Escultura, con Vigilante celeste. En 1967 volvió a obtener el primer premio en el XIX Salón Nacional, con Cabo Kennedy.

En junio de 2009 realizó su más reciente retrospectiva en la Galería Mundo de Bogotá. El 28 de septiembre de 2010, el Gobierno Nacional de Colombia, en el marco del nonagésimo aniversario de su nacimiento y de los 25 años de creación de su Casa Museo en Popayán (Cauca), le otorgó la Gran Orden Ministerio de Cultura.

TANGRAM

El Tangram (chino: 七巧板, pinyin: qī qiǎo bǎn; "siete tableros de astucia", haciendo referencia a las cualidades que el juego requiere) es unjuego chino muy antiguo, que consiste en formar siluetas de figuras con las siete piezas dadas sin solaparlas. Las 7 piezas, llamadas "Tans", son las siguientes:

·         5 triángulos, dos construidos con la diagonal principal del mismo tamaño, 

los dos pequeños de la franja central también son del mismo tamaño.

·         1 cuadrado y 1 paralelogramo o romboide

Normalmente los "Tans" se guardan formando un cuadrado.

Existen varias versiones sobre el origen de la palabra Tangram, una de las más aceptadas cuenta que la palabra la inventó un inglésuniendo el vocablo cantonés "tang" que significa chino, con el vocablo latino "grama" que significa escrito o gráfico. Otra versión dice que el origen del juego se remonta a los años 618 a 907 de nuestra era, época en la que reinó en China la dinastía Tang de donde se derivaría su nombre. El Tangram se originó muy posiblemente a partir del juego de muebles “yanjitu” durante la dinastía Song. Según los registros históricos chinos, estos muebles estaban formados originalmente por un juego de 6 mesas rectangulares. Más adelante se agregó una mesa triangular y las personas podían acomodar las mesas de manera que formaran una gran mesa cuadrada. Hubo otra variación más adelante, durante la dinastía Ming, y un poco más tarde fue cuando se convirtió en un juego. Hay una leyenda que dice que un sirviente de un emperador chino llevaba un mosaico de cerámica, muy caro y frágil, y tropezó rompiéndolo en pedazos. Desesperado, el sirviente trató de formar de nuevo el mosaico en forma cuadrada pero no pudo. Sin embargo, se dio cuenta de que podía formar muchas otras figuras con los pedazos. No se sabe con certeza quién inventó el juego ni cuándo, pues las primeras publicaciones chinas en la que aparece son del siglo XVIII, y entonces el juego era ya muy conocido en varios países. En China, el Tangram era muy popular y se consideraba un juego para mujeres y niños. A partir del siglo XVIII, se publicaron en América y Europa varias traducciones de libros chinos en los que se explicaban las reglas del Tangram, el juego era llamado "el rompecabezas chino" y se volvió tan popular que lo jugaban niños y adultos, personas comunes y personalidades del mundo de las ciencias y las artes; el tangram se había convertido en diversión universal. Napoleón Bonaparte se convirtió en un verdadero especialista en Tangram desde su exilio en la isla de Santa Elena.

Una paradoja del tangram es una falacia aparente en la composición de figuras. Por ejemplo, dos figuras compuestas por el mismo conjunto de piezas, una de las cuales parece ser un subconjunto de la otra. Una de estas famosas paradojas es la de los dos monjes, atribuida a Dudeney, la cual consiste en dos formas similares, una con pie y otra sin él. La otra fue propuesta por Sam Loyd en The Eighth Book Of Tan: La séptima y octava figuras representan el cuadrado misterioso, construido con siete piezas. Hay una esquina que se suprime y, aun así, el resultado sigue teniendo siete piezas. Estas aparentes paradojas son, en realidad, falacias. Por ejemplo, en el caso de los dos monjes mencionados más arriba, el pie de uno de ellos se compensa, en realidad, por un cuerpo ligeramente mayor en el otro. Paradoja de la taza mágica, de libro de Sam Loyd Eighth Book of Tan(1903). Cada una de estas tazas fue compuesta usando las mismas siete formas geométricas, pero la primera está completa y las otras tienen huecos de distintos tamaños. En cuanto a las figuras que pueden realizarse con el Tangrama, la mayor parte de los libros europeos copiaron las figuras chinas originales que eran tan sólo unos cientos. Para 1900 se habían inventado nuevas figuras y formas geométricas y se tenían aproximadamente 900. Los primeros libros sobre el tangrama Se concedía más atención al juego mismo y sus siete componentes, de forma que el tangrama era producido y vendido como un objeto: tarjetas con las siluetas, piezas de marfil y envoltorios en forma de caja, etc. En los libros aparecían unos cuantos cientos de imágenes, en su mayor parte figurativas, como animales, casas y flores, junto a una escasa representación de formas muy extrañas. Hoy en día, el Tangram se usa como entretenimiento, en psicología, en educación física, en diseño, en filosofía y particularmente en pedagogía. En el área de enseñanza de las matemáticas el Tangram se emplea para introducir conceptos de geometría plana, y para promover el desarrollo de capacidades psicomotrices e intelectuales de los niños, pues permite ligar de manera lúdica la manipulación concreta de materiales con la formación de ideas abstractas.

El texto fue tomado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Tangram